Top 100 · La peinture depuis l’an 2000
Les peintres du XXIe siècle à connaître
Cent artistes pour comprendre pourquoi le tableau reste un laboratoire majeur de l’art contemporain.
Au XXIe siècle, la peinture ne se définit plus par une école dominante ni par un seul centre. Londres, Berlin, Leipzig, New York, Los Angeles, Pékin, Shanghai, Mumbai, Lagos, Mexico, Buenos Aires, Lisbonne et Athènes forment un réseau de scènes reliées par les ateliers, les diasporas, les biennales et les musées. Les artistes travaillent après la photographie, le cinéma et Internet : ils peuvent partir d’un écran, d’une archive, d’une carte ou d’une image de presse, puis revenir au pigment, au support, à l’échelle et au geste. Figuration, abstraction, portrait, histoire, art urbain et pratiques autochtones coexistent. Ce classement retient des peintres ayant produit une part significative de leur œuvre depuis 2000 et les évalue selon l’invention formelle, l’influence, la constance du travail, la portée internationale, la présence institutionnelle et la capacité à formuler les enjeux du présent.
Le tableau absorbe les écrans, les archives et les circulations mondiales sans perdre sa présence matérielle.
Définition
Qu’est-ce qu’un peintre du XXIe siècle ?
Le terme ne désigne pas seulement une génération née après 1980. Il réunit ici des artistes dont la pratique a continué, mûri ou acquis une influence décisive après 2000. Hockney, Richter, Kusama ou Kiefer appartiennent à des générations plus anciennes, mais leurs séries récentes, leurs expositions et leur impact sur de jeunes peintres restent structurants. À leurs côtés, Mehretu, Akunyili Crosby, Yiadom-Boakye, Wiley ou Sherald incarnent des transformations plus récentes des sujets, des circulations et des institutions.
Peindre après l’écran
La photographie et le numérique ont-ils remplacé le tableau ?
Ils l’ont surtout obligé à se repenser. Richter, Tuymans, Dumas et Borremans traduisent des images photographiques en surfaces lentes et ambiguës ; Hockney associe dessin, collage, vidéo et tablette ; Mehretu et Bradford condensent cartographies, architecture et traces urbaines. Même lorsque l’œuvre naît d’un fichier ou d’une archive, la taille, la matière, le cadrage et la durée du regard modifient ce que l’image fait au spectateur. La peinture reste ainsi un lieu où les images rapides peuvent être démontées, épaissies ou rendues incertaines.
Méthode du classement
Comment ces 100 artistes ont-ils été sélectionnés ?
Le rang combine six critères : importance du travail réalisé depuis 2000, singularité du langage pictural, influence sur d’autres artistes, continuité et ambition du corpus, rayonnement muséal et capacité à rendre visibles les questions du siècle. La sélection assume plusieurs formes de peinture, des huiles de chevalet aux surfaces monumentales, aux assemblages et aux œuvres mêlant photographie, textile ou installation. Elle recherche aussi un équilibre entre générations, régions, artistes femmes, perspectives autochtones et scènes longtemps tenues à distance des récits européens et nord-américains.
Les références du siècle
Top 10 — Une peinture réinventée
Ces dix artistes ont imposé des langages capables de traverser abstraction, figuration, photographie, mémoire et mondialisation sans renoncer à l’autorité particulière du tableau.
#1
David Hockney
Hockney relie la clarté graphique du pop art à une observation très personnelle des proches, des piscines et des paysages. Son œuvre prouve que la figuration peut intégrer photographie, collage, vidéo et dessin numérique sans perdre sa sensualité.
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#2
Gerhard Richter
Richter brouille des photographies familiales, historiques ou médiatiques pour interroger la confiance accordée aux images. Entre précision optique et effacement, ses tableaux figuratifs font de la mémoire un territoire instable.
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#3
Yayoi Kusama
Photographies performées, pois, miroirs et figures peintes dissolvent son image dans un environnement infini tout en renforçant une signature immédiatement reconnaissable.
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#4
Anselm Kiefer
Kiefer confronte l’histoire allemande à la poésie, à la mythologie et aux matériaux en transformation. Paille, plomb, cendre et peinture font de la figure ou du paysage une surface de mémoire, lourde mais jamais refermée.
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#5
Kerry James Marshall
Marshall place des figures noires au centre de formats et de genres longtemps dominés par des récits blancs. Scènes domestiques, jardins, ateliers et peintures d’histoire deviennent les lieux d’une présence pleinement construite.
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#6
Peter Doig
Doig part de photographies ordinaires pour construire des paysages mentaux traversés par l’étrangeté. Canoës, maisons et silhouettes semblent suspendus entre souvenir, cinéma et rêve, dans une peinture lente aux surfaces très travaillées.
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#7
Marlene Dumas
Dumas peint d’après des photographies qu’elle ralentit, dilue et charge d’ambiguïté. Visages d’enfants, célébrités, morts ou corps désirés deviennent des présences liquides où l’intime rencontre la politique du regard.
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#8
Julie Mehretu
Cartes, architectures, diagrammes et gestes superposés forment des espaces en accélération. Ses grandes toiles donnent une image complexe des migrations, conflits et flux du monde contemporain.
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#9
Jenny Saville
Saville agrandit le corps jusqu’à remplir la toile et refuse les canons de beauté qui l’ont longtemps discipliné. Chairs comprimées, vues plongeantes et peinture charnelle donnent à ses modèles une puissance qui déborde le cadre.
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#10
Luc Tuymans
Tuymans peint des images déjà médiatisées — cinéma, télévision, archives — dans une palette pâle et une touche rapide. Cette distance apparemment froide révèle la manière dont l’histoire et la violence se logent dans des images banales.
Découvrir l’artisteFigures, identités et récits
Rangs 11 à 25 — Représenter qui regarde et qui est regardé
Portraits, corps, diasporas, images médiatiques et histoires minorées déplacent le centre de la peinture et renouvellent ses personnages comme ses publics.
#11
Georg Baselitz
Baselitz renverse ses figures dès la fin des années 1960 pour empêcher le sujet de devenir simple récit. Le corps demeure reconnaissable, mais l’inversion oblige à regarder d’abord la couleur, la touche et la construction du tableau.
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#12
Neo Rauch
Rauch combine ouvriers, architectures, uniformes et fragments de propagande dans des scènes dont la logique reste volontairement incomplète. L’histoire est-allemande y revient comme un rêve industriel aux couleurs sourdes.
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#13
Cecily Brown
Brown fait apparaître puis disparaître les corps dans une peinture rapide, dense et sensuelle. La figuration se découvre par fragments, entre citations de maîtres anciens, énergie abstraite et scènes de désir.
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#14
Michaël Borremans
Borremans peint avec une précision héritée des maîtres anciens des personnages occupés à des actions impossibles à expliquer. Le décor sobre et la lumière contrôlée transforment chaque scène en rituel ambigu.
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#15
Adrian Ghenie
Ghenie mêle figures historiques, images d’archives et accidents de matière. Le visage se brouille sous les raclures et les coulures, comme si la peinture testait ce qui reste visible après les catastrophes du XXe siècle.
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#16
Njideka Akunyili Crosby
Akunyili Crosby compose des intérieurs où peinture, dessin et transferts photographiques entremêlent Lagos et Los Angeles. Les scènes intimes rendent visible une identité diasporique faite de couches, de souvenirs et de références partagées.
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#17
Lynette Yiadom-Boakye
Yiadom-Boakye invente des personnages noirs sans modèle direct ni récit biographique. Peints rapidement dans une palette retenue, ils semblent appartenir à une histoire plus vaste que le tableau laisse volontairement ouverte.
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#18
Kehinde Wiley
Il confie à des modèles noirs les poses héroïques de la peinture européenne, devant des motifs décoratifs envahissants. Le portrait devient un débat sur pouvoir, visibilité et désir.
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#19
Amy Sherald
Ses modèles noirs posent devant des fonds colorés, avec des carnations traitées en grisaille. Cette distance chromatique déplace les codes du portrait officiel vers une présence calme et souveraine.
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#20
Toyin Ojih Odutola
Ojih Odutola traite la peau comme un territoire de lignes, de stries et de lumière. Ses portraits et cycles narratifs imaginent des familles, des classes et des mondes alternatifs qui déplacent les lectures immédiates de la race et du pouvoir.
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#21
Mark Bradford
Affiches, papiers urbains et couches poncées produisent de vastes cartes abstraites. Le réseau visuel de la ville révèle circulation, ségrégation, économie et effacement de la mémoire.
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#22
Kara Walker
Silhouettes, dessins et installations reprennent les formes élégantes du XIXe siècle pour confronter esclavage, sexualité et violence. Le contraste décoratif rend les récits d’autant plus difficiles à esquiver.
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#23
Banksy
Pochoirs et interventions urbaines détournent surveillance, frontières, consommation et imagerie militaire. L’humour rend le message immédiatement partageable, tandis que le mur réel inscrit chaque image dans un contexte politique précis.
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#24
Shepard Fairey
Son graphisme emprunte les codes de la propagande pour les retourner vers climat, démocratie, paix ou justice raciale. Affiches et fresques cherchent une efficacité publique immédiate, entre icône populaire et campagne militante.
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#25
JR
Ses portraits photographiques monumentaux déplacent le muralisme vers le collage et la participation. Façades, bidonvilles, musées et frontières deviennent les supports temporaires de visages qui rendent visibles des communautés souvent ignorées.
Découvrir l’artisteImages, mémoire et pouvoir
Rangs 26 à 50 — Le tableau face à l’histoire visuelle
La peinture dialogue avec le cinéma, la photographie, le pop, la publicité et les archives pour examiner la façon dont les images organisent désir, pouvoir et souvenir.
#26
George Condo
Condo démonte le portrait classique en combinant plusieurs expressions et points de vue sur un même visage. Ses personnages fictifs semblent à la fois familiers, grotesques et profondément humains.
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#27
John Currin
Currin adopte la virtuosité et les distorsions du maniérisme pour peindre des figures contemporaines. L’élégance technique rend ses images volontairement inconfortables, entre admiration, caricature et critique des conventions du goût.
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#28
Eric Fischl
Piscines, banlieues et intérieurs familiaux dévoilent des tensions psychologiques derrière le confort américain. Ses scènes semblent saisir l’instant où une situation ordinaire devient troublante.
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#29
Julian Schnabel
Assiettes brisées, velours et très grands formats donnent à ses tableaux une surface théâtrale. Il revendique une peinture cultivée et physique au moment où son retour semblait impossible.
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#30
David Salle
Salle superpose des images issues de l’histoire de l’art, de la publicité et de la photographie. Au lieu de résoudre leurs contradictions, il construit des tableaux où plusieurs registres visuels se disputent simultanément le sens.
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#31
Elizabeth Peyton
Peyton peint artistes, amis, écrivains et figures historiques dans de petits formats lumineux. L’échelle intime et la touche fluide assument l’admiration tout en donnant aux modèles une fragilité éloignée du portrait officiel.
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#32
Nicole Eisenman
Eisenman mêle références savantes, humour, culture queer et scènes de groupe. Ses personnages maladroits ou mélancoliques décrivent les manières contemporaines d’être ensemble sans idéaliser la communauté.
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#33
Alex Katz
Ses portraits aux aplats francs et aux cadrages coupés réduisent le détail pour renforcer la présence. Katz construit depuis les années 1950 une figuration lisse, lumineuse et immédiatement contemporaine.
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#34
Ed Ruscha
Mots isolés, stations-service et panoramas de Los Angeles sont peints avec une ironie sèche. Ruscha traite le langage et le paysage routier comme les véritables monuments de l’Ouest contemporain.
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#35
Richard Estes
Vitrines, bus et carrefours se multiplient dans les reflets ; son photoréalisme reconstruit la ville avec une netteté supérieure à la photographie de départ.
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#36
Chuck Close
Il décompose le visage en grilles, cellules et décisions colorées tout en conservant l’impact du portrait monumental. Son processus montre comment l’image globale naît d’unités presque abstraites.
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#37
Faith Ringgold
Ses quilts peints réunissent texte, tissu et image pour raconter racisme, famille, histoire et émancipation. Elle transforme une pratique artisanale dévalorisée en puissant médium politique.
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#38
Judy Chicago
Installations, céramique et peinture réinscrivent l’expérience des femmes dans l’histoire monumentale. The Dinner Party demeure une œuvre-clé par son ambition collective et sa force symbolique.
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#39
Frank Stella
Des Black Paintings aux reliefs baroques, il explore ce que peut devenir un tableau lorsque forme, châssis et surface coïncident. Sa carrière passe de la retenue stricte à une expansion presque architecturale.
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#40
Paula Rego
Rego met en scène contes, souvenirs, domination et résistance dans des images à la tension presque théâtrale. Ses héroïnes ne sont jamais décoratives : elles occupent l’espace, conspirent, souffrent et ripostent.
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#41
Fernando Botero
Botero dilate corps, objets et architectures pour créer un monde immédiatement reconnaissable. Sous l’apparente bonhomie des volumes, il aborde aussi violence politique, pouvoir religieux et mémoire colombienne avec une ironie grave.
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#42
Wayne Thiebaud
Thiebaud applique une matière généreuse aux gâteaux, vitrines, personnages et rues de San Francisco. Ses ombres colorées transforment les objets les plus familiers en constructions lumineuses, à la fois populaires et rigoureusement composées.
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#43
Frank Auerbach
Auerbach peint les mêmes modèles et les mêmes quartiers londoniens pendant des décennies. Il gratte, recommence et condense jusqu’à ce que quelques traits épais portent l’énergie d’une présence plutôt que sa simple ressemblance.
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#44
Lucian Freud
Freud transforme la séance de pose en expérience de durée. Sa pâte dense décrit la peau, la fatigue et le poids des corps sans flatterie, mais avec une attention si soutenue que chaque modèle acquiert une dignité monumentale.
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#45
Leon Kossoff
Kossoff travaille la ville et le modèle vivant dans une matière lourde, souvent reprise jusqu’à l’épuisement. Ses gares, piscines, églises et portraits font sentir Londres comme un organisme dense, instable et profondément vécu.
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#46
Maria Lassnig
Lassnig ne peint pas le corps vu mais le corps ressenti : zones de pression, absence de membres et couleurs acides deviennent une cartographie de la conscience.
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#47
Miriam Cahn
Cahn peint des corps frontaux, lumineux ou presque transparents, confrontés à la guerre, au désir et à la migration. La simplicité apparente du geste donne à chaque figure une présence urgente, parfois tendre, souvent inquiétante.
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#48
Xenia Hausner
Hausner met en scène des personnages féminins dans des espaces saturés et ambigus ; chaque tableau fonctionne comme l’arrêt d’un récit dont le conflit reste ouvert.
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#49
Gottfried Helnwein
Enfants blessés, visages monumentaux et citations de la culture populaire servent à Helnwein pour confronter innocence, violence historique et pouvoir des images.
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#50
Antonio López García
López García revient pendant des années sur un intérieur, un arbre ou une vue de Madrid afin d’en suivre la lumière exacte. Sa précision n’est pas photographique : elle mesure le temps et les changements presque imperceptibles du réel.
Découvrir l’artisteCirculations mondiales
Rangs 51 à 75 — Matières, traditions et modernités connectées
De Madrid à Pékin, de Mumbai à Buenos Aires, les artistes combinent histoires locales, voyages, mythes et formes transnationales sans effacer les tensions de leur contexte.
#51
Odd Nerdrum
Nerdrum revendique les techniques anciennes et un imaginaire situé hors du présent immédiat. Ses voyageurs, naufragés et corps isolés habitent des paysages austères qui opposent la lenteur artisanale aux rythmes de l’art contemporain.
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#52
Miquel Barceló
Barceló épaissit, creuse ou craquelle la peinture jusqu’à faire surgir animaux, marchés, fonds marins et paysages. Ses séjours au Mali ont renforcé une pratique attentive au climat, aux matières locales et aux transformations du vivant.
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#53
Gérard Garouste
Garouste relit la Bible, Cervantès, Dante ou Rabelais sans illustrer docilement leurs textes. Ses figures contorsionnées et ses métamorphoses font de la peinture un outil d’interprétation, de doute et de retour critique aux récits fondateurs.
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#54
Yan Pei-Ming
Yan Pei-Ming construit de grands portraits avec une palette réduite et une touche très visible. Mao, chefs d’État, inconnus et membres de sa famille partagent la même échelle, qui confronte image publique et mémoire intime.
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#55
Liu Xiaodong
Liu peint sur place des ouvriers, migrants, amis et communautés déplacées. Son réalisme direct ne transforme pas les modèles en symboles : il enregistre leurs gestes, leur environnement et les bouleversements sociaux qui les traversent.
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#56
Zeng Fanzhi
Zeng passe des corps hospitaliers tendus aux célèbres figures masquées, puis à des paysages gestuels. Dans chaque période, la surface élégante laisse affleurer l’anxiété produite par la modernisation et les rôles sociaux.
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#57
Zhang Xiaogang
Zhang s’inspire des portraits de famille de l’époque maoïste pour peindre des visages presque uniformes. Une tache, un regard ou une différence subtile fissure pourtant l’image collective et rend visible la mémoire privée.
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#58
R. B. Kitaj
Kitaj assemble peinture, littérature, politique et mémoire juive dans des compositions proches du montage. Son expression « École de Londres » a aussi donné un cadre critique aux peintres figuratifs britanniques de l’après-guerre.
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#59
Francesco Clemente
Clemente fait circuler le corps entre Naples, New York et l’Inde. Autoportraits, métamorphoses et signes empruntés à plusieurs traditions composent une figuration nomade où l’identité demeure mobile et contradictoire.
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#60
Philip Pearlstein
Pearlstein retire au nu ses poses héroïques et ses symboles traditionnels. Les corps, parfois coupés par le cadrage et entourés d’objets, sont observés comme des formes complexes dans un espace concret et sans narration imposée.
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#61
Nalini Malani
Malani étend la peinture à la vidéo, aux cylindres tournants et aux installations d’ombres. Mythes, violences faites aux femmes et mémoire de la partition deviennent des récits instables qui entourent le spectateur.
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#62
Atul Dodiya
Dodiya cite cinéma, histoire de l’art, Gandhi et mémoire familiale dans des peintures souvent montées sur volets métalliques. Son travail traite l’image comme une archive mobile, populaire et politique.
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#63
Subodh Gupta
Gupta transforme ustensiles d’acier, repas, bicyclettes et objets domestiques en images de migration et de désir. Sa pratique relie peinture et sculpture aux mutations sociales de l’Inde globalisée.
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#64
M. F. Husain
Husain développe une figuration nerveuse faite de chevaux, d’épopées, de cinéma et de signes urbains. Sa peinture rapide, publique et controversée incarne l’ambition internationale du modernisme après l’indépendance.
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#65
S. H. Raza
Raza passe du paysage expressionniste à une abstraction centrée sur le bindu, les cycles et les couleurs élémentaires. Son œuvre relie expérience française, philosophie indienne et rigueur géométrique.
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#66
Akbar Padamsee
Padamsee explore visages, nus, paysages mentaux et relations chromatiques avec une économie sévère. Ses métascapes et expériences numériques interrogent la perception plutôt que la simple représentation.
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#67
K. G. Subramanyan
Subramanyan mêle peinture, terre cuite, verre inversé, jouet et tradition narrative. Son humour et sa pédagogie contestent la séparation entre beaux-arts, artisanat et culture quotidienne.
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#68
Lalita Lajmi
Lajmi met en scène femmes, familles et doubles dans des espaces qui ressemblent à des plateaux de théâtre. Son aquarelle précise explore désir, solitude et contraintes sociales sans narration univoque.
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#69
Viswanadhan
Viswanadhan construit des mandalas géométriques nourris des cinq éléments et de l’architecture rituelle. Entre Kerala et Paris, sa couleur transforme la grille en espace vibratoire plutôt qu’en système fermé.
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#70
Sujata Bajaj
Bajaj superpose pigments, fibres, écritures et rythmes colorés dans des surfaces très physiques. Ses œuvres relient énergie gestuelle, mémoire indienne et expérience de la vie entre plusieurs pays.
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#71
Bhajju Shyam
Bhajju Shyam traduit Londres, les voyages et la vie contemporaine à travers les métaphores visuelles gond. Son dessin montre qu’une tradition vivante peut absorber la ville globale sans perdre sa logique narrative.
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#72
Rina Banerjee
Banerjee assemble peinture, textiles, objets et matériaux organiques pour évoquer migration et désir. Ses formes luxuriantes refusent les identités fixes et rendent visible la circulation mondiale des images.
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#73
Guillermo Kuitca
Kuitca transpose cartes, plans de théâtre et réseaux de transport sur toile, matelas ou surfaces abstraites. L’espace collectif devient une image intime du déplacement, de l’absence et de la mémoire.
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#74
Marta Minujín
Minujín transforme matelas, monuments, médias et foules en happenings spectaculaires. Son œuvre pop utilise l’excès et l’humour pour faire de la participation un matériau artistique.
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#75
Carlos Alonso
Alonso confronte histoire de l’art, violence politique et mémoire argentine dans une peinture incisive. Son dessin expressif démonte les images de pouvoir sans perdre la complexité du corps.
Découvrir l’artisteTerritoires, héritages et marges
Rangs 76 à 100 — D’autres centres pour la peinture
Amériques latines, Canada autochtone, Portugal, Grèce, Europe de l’Est et création hors normes complètent une cartographie volontairement plurielle du siècle.
#76
Antonio Seguí
Seguí peuple ses villes de personnages pressés, chapeautés et anonymes, pris dans des mouvements de foule. Son dessin mordant associe humour, satire sociale et distance critique envers les automatismes urbains.
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#77
Sarah Grilo
Grilo superpose signes, chiffres, graffitis et champs colorés comme les traces d’une ville traversée. Son abstraction garde une tension entre ordre graphique et circulation imprévisible.
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#78
Gabriel Orozco
Orozco part d’un geste, d’un objet ou d’un motif circulaire pour déplacer les frontières entre dessin, peinture, sculpture et photographie avec une économie ludique.
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#79
Francisco Toledo
Toledo métamorphose insectes, iguanes, corps et mythes zapotèques dans une matière inventive, tout en défendant avec constance le patrimoine culturel d’Oaxaca.
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#80
Gilberto Aceves Navarro
Aceves Navarro fracture silhouettes, chevaux et foules par un dessin rapide ; sa peinture conserve l’énergie de l’atelier, du théâtre et de l’enseignement.
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#81
Kent Monkman
Monkman détourne la grande peinture d’histoire pour confronter colonialisme, musées, violence et résilience autochtone. Sa figure de Miss Chief renverse les points de vue et impose une narration crie, queer et souveraine.
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#82
Alex Colville
Colville construit des scènes quotidiennes d’une précision presque mathématique où un détail suffit à créer l’inquiétude. Figures, animaux, routes et rivages deviennent les éléments d’un réalisme silencieux, tendu par l’attente.
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#83
Mary Pratt
Pratt transforme gelée, poisson, papier d’aluminium et objets domestiques en spectacles de lumière intense. Sa précision révèle la sensualité et la tension cachées dans les tâches et les espaces du quotidien.
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#84
Daphne Odjig
Odjig combine courbes fluides, aplats colorés et récits anishinaabe pour parler de famille, de spiritualité et d’histoire coloniale. Cofondatrice de Professional Native Indian Artists Inc., elle ouvre des espaces essentiels aux artistes autochtones.
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#85
Norval Morrisseau
Morrisseau fonde un langage visuel où contours noirs, couleurs franches et lignes de force rendent visibles les relations entre êtres. Son œuvre anishinaabe transforme durablement l’histoire de l’art au Canada et affirme une souveraineté narrative.
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#86
Vivian Suter
Suter laisse pluie, boue, feuilles et humidité transformer ses grandes toiles dans son jardin subtropical. Accrochées librement, elles composent un environnement pictural où nature et atelier agissent ensemble.
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#87
Arnulf Rainer
Rainer recouvre photographies et dessins de stries, croix et gestes denses, faisant de l’effacement une action picturale aussi physique que méditative.
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#88
Pedro Cabrita Reis
Pedro Cabrita Reis traite peinture, sculpture et architecture comme les fragments d’un même chantier. Portes, fenêtres, néons et surfaces colorées interrogent la manière dont un corps habite, mesure et reconstruit l’espace.
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#89
Jorge Martins
Jorge Martins explore ce qui apparaît et disparaît dans la lumière. Dessins, toiles et longues séries réduisent parfois l’image à un seuil, un reflet ou une structure presque vide, invitant le regard à ralentir.
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#90
Júlio Pomar
Júlio Pomar refuse de s’enfermer dans une formule : néo-réalisme militant, scènes de tauromachie, portraits d’écrivains et peinture gestuelle se succèdent. Sa ligne rapide maintient partout le corps et le mouvement au centre de l’image.
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#91
Julião Sarmento
Julião Sarmento travaille l’image comme une mémoire incomplète. Silhouettes féminines, textes, gestes suspendus et grands fonds blancs composent un théâtre du désir où chaque détail semble chargé d’un récit absent.
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#92
Helena Almeida
Helena Almeida fait entrer son propre corps dans le tableau photographié. Traits bleus, taches rouges et gestes chorégraphiés brouillent les limites entre peinture, photographie et performance, tout en interrogeant la place physique de l’artiste dans l’œuvre.
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#93
Alekos Fassianos
Fassianos invente des cyclistes, fumeurs et profils ailés aux couleurs franches, entre vase antique, affiche et scène urbaine. Son dessin continu donne au quotidien athénien une dimension immédiatement mythique.
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#94
Panayiotis Tetsis
Tetsis reste fidèle à l’observation tout en libérant la couleur et la touche dans ses vues d’Hydra, marchés et natures mortes. Il restitue la lumière grecque sans pittoresque, par des rapports chromatiques puissants et structurés.
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#95
Dimitris Mytaras
Mytaras passe du photoréalisme à une figuration nerveuse dominée par le dessin, les contrastes et des couleurs tranchantes. Portraits, automobiles et scènes de pouvoir deviennent chez lui des instruments de critique sociale.
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#96
Ilya Kabakov
Le point décisif chez Ilya Kabakov, c'est son axe pictural : mémoire installée. L'Homme qui s'est envolé dans l'espace sert de point d'entrée le plus direct ; Les toilettes expose la méthode ; Albums ouvre l'ambition plus large de l'artiste.
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#97
Erik Bulatov
Le point décisif chez Erik Bulatov, c'est son axe pictural : texte-espace. Gloire au PCUS sert de point d'entrée le plus direct ; Horizon expose la méthode ; Je vis, je vois ouvre l'ambition plus large de l'artiste.
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#98
Oleg Vassiliev
Vassiliev ouvre ses espaces picturaux par de puissants faisceaux de lumière. Mémoire privée, paysage soviétique et construction conceptuelle s’y superposent.
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#99
Bridget Riley
Riley transforme lignes, courbes et intervalles en événements visuels. Ses premiers tableaux noir et blanc mettent l’œil en déséquilibre ; ses œuvres colorées étudient ensuite les interactions chromatiques avec une précision qui reste pourtant profondément sensible.
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#100
Michel Nedjar
Les poupées de Nedjar sont nouées, tachées, enveloppées puis parfois plongées dans des bains de terre et de pigments. Elles portent une réflexion charnelle sur la mémoire, la disparition et la survivance des corps.
Découvrir l’artisteSources et prolongements
Approfondir la peinture contemporaine
Les collections muséales, les entretiens d’artistes et les ressources consacrées aux œuvres permettent de comparer la matérialité réelle des tableaux, leur contexte de production et les débats auxquels ils participent.
À lire sur Alpha Reproduction
La peinture du XXIe siècle n’a pas un visage unique — et c’est sa force
Hockney, Richter, Kusama et Kiefer montrent qu’une pratique peut se renouveler pendant des décennies. Marshall, Dumas, Doig, Tuymans, Mehretu et Bradford déplacent le poids du récit, de l’archive ou de la carte dans la surface. Saville, Yiadom-Boakye, Wiley, Sherald et Akunyili Crosby réorganisent le portrait : les corps et les intérieurs qu’ils peignent corrigent les absences de l’histoire de l’art autant qu’ils inventent de nouvelles présences.
Du réalisme attentif de Liu Xiaodong aux abstractions optiques de Riley, des mondes anichinabés de Morrisseau et Odjig aux scènes indiennes, latino-américaines, portugaises et grecques, ce classement décrit moins une hiérarchie figée qu’un champ de tensions fécond. La peinture reste lente dans un univers d’images instantanées, matérielle dans un environnement numérique et locale au sein d’un marché mondialisé. C’est précisément cette capacité à accueillir des contradictions qui lui permet de rester contemporaine.
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